lunes, 24 de julio de 2017

Mercedes Sosa - Con sabor a Mercedes Sosa



Con sabor a Mercedes Sosa (1968) se diferencia de sus primeros álbumes en que incluye canciones populares, tales como: La añera, Vallecito, Al jardín de la República, Luna tucumana, Criollita santiagueña y Viva Jujuy. Las versiones son muy buenas. Participan del disco: el maestro Ariel Ramirez en piano y Tito Francia en guitarra. Como bien señala Eduardo Lagos en la contratapa, la música de Mercedes Sosa es una "empecinada conversación con la tierra".****1/2

lunes, 17 de julio de 2017

Mercedes Sosa - Hermano



Hermano fue editado en el mismo año de Yo no canto por cantar... (1966). La voz de Mercedes Sosa suena espléndida. Está acompañada por guitarras y un bombo incidental. Se extrañan las soberbias cuerdas incluidas en el álbum citado. Suele mencionarse Tristeza, de los hermanos Núñez, pero en rigor todo el programa es variado y cohesionado a la vez, altamente consistente, eligiendo un repertorio poco visitado. Me gustan: Para mañana, de José Ramón Miérez, y Esto azul, de Hamlet Lima Quintana y Eduardo Aragón, entre otras. El canto como testimonio. Retrato de vida. Acompañamiento de alegrías y penas.*****

lunes, 10 de julio de 2017

Mercedes Sosa - Yo no canto por cantar...



La historia es bien conocida: en el año 1965, enmarcado en el Movimiento del Nuevo Cancionero y en el "boom del folklore argentino", a pesar de la negativa de la comisión directiva del Festival, Jorge Cafrune invita a Mercedes Sosa a subir al escenario mayor de Cosquín. Ella canta Canción del derrumbe indio, del compositor también tucumano como ella, Fernando Iramain, acompañada sólo por su bombo, y recibe una calurosa aceptación por parte del público presente. Es su consagración. En 1966, publica Yo no canto por cantar..., tercer disco de la gran cantante, primero para la discográfica Philips. Las composiciones tienen un contenido político (en una edición posterior Tonada de Manuel Rodríguez fue sustituida por Ki Chororo) y el sonido añade el uso de la cámara reverberante. Son memorables, entre otras, la Zamba para no morir, con letra de Hamlet Lima Quintana y música de Ambrós y Rosales, junto a la guitarra de Tito Francia, la Zamba azul, con letra de Armando Tejada Gómez y música del propio Francia, y Mi canto es distancia con letra de Oscar Matus y música de Rafael Paeta, ambas con acompañamiento de piano, guitarra y cuerdas. Yo no canto por cantar... es una celebración al canto que acompaña el dolor de un pueblo vencido o el sufrimiento del trabajador de la tierra.*****

sábado, 8 de julio de 2017

Astor Piazzolla/Gerry Mulligan - Reunión cumbre



Grabado en 1974, Reunión cumbre, o Summit, como se lo conoció en los Estados Unidos, es el resultado de las sesiones que convocaron a Astor Piazzolla y a Gerry Mulligan, el más reconocido saxofonista barítono que ha dado el jazz, quien participara del Birth of the Cool (Capitol, 1957) de Miles Davis y tuviera su propio exitoso cuarteto sin piano junto al trompetista Chet Baker. El rango bajo del barítono funciona de maravillas con el carácter triste, melancólico, nostálgico del tango y Mulligan parece entender ese sentimiento a la perfección y trasladarlo a su interpretación en el disco. También hay espacio para piezas con mucha energía donde el saxofonista se adapta bien, mas no sin esfuerzo según cuentan, a la compleja escritura contrapuntística de Piazzolla, un lenguaje nuevo para él.*****

miércoles, 5 de julio de 2017

Astor Piazzolla - Libertango



Libertango es una de las piezas más populares de Astor Piazzolla y una de las que le diera mayor reconocimiento. Fue grabada originalmente en 1974 para el álbum del mismo nombre con una formación integrada por músicos italianos incluyendo cuerdas. El disco contiene sólidas composiciones, entre ellas una versión de su mayor obra: Adiós Nonino, donde sobregraba su bandoneón y concluye con un solo de órgano. Un tema sobre el cual Piazzolla dijo que siempre intentó escribir uno mejor y no pudo.****1/2

lunes, 3 de julio de 2017

Astor Piazzolla - Suite Troileana/Lumière



El álbum Suite Troileana/Lumière está compuesto por la Suite Troleana, que ocupa el lado A del original vinilo, dedicada al bandoneonista y mentor Anibal Troilo, fallecido en el mismo año de la grabación, 1975, e incluye cuatro movimientos que corresponden a los cuatro amores de Troilo, y Lumière, la banda de sonido de la ópera prima de la directora y actriz francesa Jeanne Moreau, incluida en el lado B. Es mi disco favorito de Piazzolla y una de sus obras magnas. Las composiciones y los arreglos tienen una inspiración única y la interpretación es exquisita (notable Antonio Agri en violín, las líneas de bajo eléctrico son también formidables, igualmente me fascina la manera en que entra la sección rítmica luego de la introducción de Piazzolla en Bandoneón). La música es muy emotiva, transmitiendo sensaciones y sentimientos de un modo que hace estremecer. Toda la obra de Piazzolla es consistente y sus discos de mitad de los setenta son magníficos. Puede argumentarse que no se ha avanzado más en el tango que lo hecho en esos años.*****

Si te gustó, mi recomendación es: Rodolfo Mederos Generación Cero - De todas maneras. Un tango renovado a partir de los aportes recibidos de otros lenguajes.

miércoles, 28 de junio de 2017

Rodrigo Domínguez - Tonal



Tonal es el primer álbum del saxofonista Rodrigo Domínguez, ex integrante del Quinteto Urbano. En su interpretación conviven jazz con trazos de folklore y música ciudadana y puede hallarse un color local para el jazz. Es sugestiva la utilización del órgano (Jodos), en jazz asociado al soul-jazz, pero aquí transitando un terreno diferente. Añadiendo un color opaco en aquellos temas que tienen un matiz nostálgico (Gorriti, Ñata, Mombyry), aportando vivacidad en los temas agitados (El aliado). Sin olvidar el aspecto melódico, definiendo claramente los motivos principales de sus piezas (excepto en las menos estructuradas LL #2 y Don Alí), Domínguez se permite explorar y dejarse llevar por la inspiración, sin que que el desarrollo de las composiciones pierda el interés. Verdinelli, por su parte, muestra una variedad de recursos en la batería que enriquece las obras y hace posible un diálogo con los demás instrumentos, condición para que, en los momentos relevantes, el trio levante vuelo.****

lunes, 26 de junio de 2017

Roxana Amed - Limbo



Roxana Amed en su primer álbum de nombre Limbo, producido por Pedro Aznar, presenta una hermosa voz, muy buenas versiones de Durazno sangrando de Spinetta y Amelia de Joni Mitchell y una destreza como compositora que se manifiesta en canciones originales, excéntricas, que expresan desengaño y resentimiento por un amor que terminó (Epitafio), o se refieren a un período desolador de su vida, posterior renacer y crecimiento (Arizona, Limbo). Sólo me habría gustado que hubiese decidido incluir una personal versión del standard You Don't Know What Love Is (Raye, De Paul), contenida en el repertorio en la época en que fue grabado el disco.****

lunes, 19 de junio de 2017

Sonny Rollins - Freedom Suite (Keepnews Collection)



Nueve meses después del seminal Way Out West (Contemporary, 1957), en febrero de 1958, Sonny Rollins vuelve al formato de trio de saxo-contrabajo-batería, esta vez acompañado por Oscar Pettiford en contrabajo y Max Roach en batería (las tres versiones de Till There Was You, de Meredith Willson, son en dúo con el contrabajista). Los bonus tracks también incluyen el standard There Will Never Be Another You, de Harry Warren y Mack Gordon, tocado sólo por la sección rítmica debido a que Rollins llegó tarde a la sesión. A Night At The Village Vanguard (Blue Note, 1958) es el otro disco anterior de Rollins que utiliza un trio sin piano. Freedom Suite es (la primer) música de protesta en el propio tiempo del Movimiento de los Derechos Civiles (Civil Rights Movement). Contiene la composición que da título al álbum (en un momento rebautizado Shadow Waltz con la intención de no confrontar) que ronda los diecinueve minutos y un puñado de standards. Las frases de Rollins tienen una consistencia feroz y un gran sentido rítmico. A su vez, la dupla Pettiford-Roach tiene una contribución destacada, innovadora para la época, de gran lirismo y musicalidad.*****

miércoles, 14 de junio de 2017

King Crimson - Starless and Bible Black (30th Anniversary Edition)



Starless and Bible Black es potente, complejo, quizás no tan redondo como Larks' Tongues in Aspic, pero su digno sucesor. Contiene amplio espacio para la improvisación, en particular en los últimos seis temas que, según he leído, fueron grabados en vivo y luego editados. El plato fuerte son las dos épicas improvisaciones finales. El instrumental Starless and Bible Black (no confundir con Starless el tema cantado incluido en Red) tiene un desarrollo in crescendo hasta alcanzar el clímax. Fracture es un prematuro y, a la vez, definitivo, manifiesto de la técnica de guitarra de Fripp y anticipa esa exquisita creación que fue the League of Crafty Guitarists. Esta composición ha sido, en palabras de Fripp, la más difícil que ha tocado. Lo que resulta tan valioso en los álbumes de King Crimson pertenecientes a este período es lo actuales que suenan, por oposición a los primeros discos de la banda que, a pesar de ser fantásticos, incluyen elementos que pueden parecer pasados de moda.****1/2

sábado, 10 de junio de 2017

Radiohead - Kid A



El rock no ha muerto simplemente porque Radiohead ha sabido practicarle respiración artificial. Muchas veces no coincido con la valoración que hacen de una obra artística fans o críticos porque prefiero aquellas ediciones en que los músicos deciden arriegarse, aún cuando el resultado no sea todo lo logrado que fuese deseable. Esto es aplicable en particular al rock donde los artistas tienen una tendencia, debido a necesidades comerciales impuestas por las discográficas, de repetir aquello que ha resultado exitoso. Dicho lo anterior, en mi consideración, Kid A Y Amnesiac se encuentran entre los mejores trabajos de Radiohead por sobre The Bends. Es a partir de su obra maestra, OK Computer, en que se aleja del rock de guitarras e introduce elementos de electrónica, extraños sonidos de teclados, métricas inusuales, que producen una música ambiciosa, audaz, de mayor complejidad, afirmándose como una banda singular.****1/2

sábado, 3 de junio de 2017

Sonny Rollins - Sonny Meets Hawk!



Duelo de titanes. Sonny Meets Hawk! es el encuentro entre dos emblemáticos saxofonistas, entre los más influyentes de todas las épocas. Acompañados por el pianista Paul Bley, los contrabajistas Bob Cranshaw o Henry Grimes, y el baterista Roy McCurdy, interpretan standards, en su mayoría baladas, a excepción del tiempo rápido de At McKie's. Pocas grabaciones son tan controversiales como este álbum. Están aquellos que opinan que se trata de una obra maestra y los que consideran que ambos responden a las ideas del otro de una manera poco convincente, sustrayendo su propia personalidad. En el primer grupo se encuentra Pat Metheny, quien lo elige como uno de sus discos esenciales, destacando en particular la labor de Paul Bley y su solo en All The Things You Are. Atendiendo al fin de interpretar a los detractores, diré que Hawkins parece querer tocar como Rollins y Rollins como vaya a saber uno quién. Lo cierto es que Bley ocupa un rol de soporte porque de lo contrario, teniendo un rol más protagónico, se habría robado la sesión. Grimes también está fantástico (en ambas audiciones). Mi juicio al respecto es un tanto salomónico: no es lo mejor de ninguno de ellos pero se disfruta escucharlo. A modo de bonus tracks, esta edición incluye tres temas en los que Sonny Rollins participa de una sesión junto a Don Cherry.****

miércoles, 31 de mayo de 2017

King Crimson - Larks' Tongues in Aspic (30th Anniversary Edition)



King Crimson es la banda más poderosa y singular que diera el rock progresivo, única que sobreviviera creativamente en el tiempo. Larks' Tongues in Aspic es su sexto álbum (contando el disco en vivo Earthbound) y supone la tercera encarnación del rey carmesí. A su vez, primero de la trilogía que conforma junto a Starless And Bible Black y Red. La agrupación consiste en Fripp, Wetton (nuevo bajista y cantante), Bruford, Cross (el violín aparece por primera vez como instrumento en el grupo) y Jaime Muir. Canciones construidas con la minuciosidad de un orfebre. Llenas de texturas y polirritmos. Creativas y audaces. Larks' Tongues in Aspic supone un alejamiento del folk y los paisajes pastorales y la acentuada influencia de la música clásica de sus primeros discos en estudio para abrazar definitivamente la crudeza y la energía del mejor rock, en rigor un cruce de géneros que da lugar a una propuesta única y rica.*****

miércoles, 24 de mayo de 2017

Radiohead - OK Computer



Se cumplen veinte años de la edición de OK Computer, de la banda británica Radiohead. Puede argumentarse, como se ha hecho, que se trata del último gran álbum de rock. La banda añade al sonido propio de una típica agrupación de rock una producción abundante en teclados y electrónica que producen capas de sonido que enriquecen las canciones. Además de las épicas Paranoid Android, Exit Music (For a Film) y Karma Police, son también notables Let Down, Climbing Up The Walls y No Surprises. Cada cual puede elegir su favorita. Incluye letras llenas de melancolía, desasosiego, que expresan un cierto hastío por la vida cotidiana y la futilidad de la existencia moderna.*****

lunes, 15 de mayo de 2017

Joshua Redman - Wish



Joshua Redman recluta a tres históricos para grabar su segundo álbum, de nombre Wish: Pat Metheny en guitarra, Charlie Haden en contrabajo y Billy Higgins en batería, los que grabaran juntos Rejoicing, de Pat Metheny. Haden-Higgins, a su vez, recordada sección rítmica de Ornette Coleman. Atmósfera relajada para una sesión entre quienes tocaron con el padre (Dewey Redman) y ahora lo hacen con el hijo. Tono jazzero para un versátil programa que incluye a Ornette Coleman, Stevie Wonder, Eric Clapton, Charlie Parker y originales de los integrantes del cuarteto. Siempre dentro de la tradición, Redman suena maduro, aplomado, sin recurrir a los alardes técnicos por los que su generación fuera un tanto denostada. Con un Metheny sobrio, contenido, y un Redman particularmente efectivo en la balada We Had a Sister y en la agitada Moose The Mooche. Resulta desacertada la elección de la canción pop Tears in Heaven, de Eric Clapton. Para el final, dos temas en vivo: muy buenas versiones de Wish, incluida en el primer disco del saxofonista, llamado Joshua Redman (Warner Bros., 1993) y de Blues for Pat, pieza perteneciente a Rejoicing (ECM, 1984), donde sucede una fantástica interacción entre Redman y Higgins.****

lunes, 1 de mayo de 2017

Dave Douglas - The Infinite



The Infinite es el primer disco de Dave Douglas junto a su quinteto, donde recrea el sonido de Miles Davis en 1968, pero añadiendo su propia personalidad e insuflando frescura y vitalidad a la música y no meramente copiando. La banda, que incluye al saxofonista Chris Potter, suena de un modo magnífico. Luce la sección rítmica que integran Uri Caine en piano eléctrico, James Genus en contrabajo y Clarence Penn en batería, a la vez que define, en gran medida, el sonido del grupo. El solo de Potter que más me agrada es el que toca en Waverly. Douglas se presenta, como es acostumbrado, en excelente forma. El disco contiene seis composiciones originales de Douglas y tres temas de artistas de R&B/pop (Rufus Wainwright, Mary J. Blige, Björk). Dave Douglas ofrece a sus oyentes un producto siempre diferente y estimulante.****

miércoles, 19 de abril de 2017

The Ornette Coleman Quartet - This Is Our Music (Atlantic Masters, 2005)



Cerca de la revolución. En This Is Our Music Ornette Coleman introduce un cambio en la formación de su clásico cuarteto: Ed Blackwell reemplaza a Billy Higgins en la batería. El álbum incluye gloriosas piezas de Coleman, tales como el tiempo rápido Blues Connotation, la cautivante Beauty Is A Rare Thing y la swingeante Humpty Dumpty y extrañamente un tema no propio, la balada Embraceable You, de Gershwin.*****

sábado, 15 de abril de 2017

Charles Lloyd - Fish Out of Water



Fish Out of Water es el primer disco de Charles Lloyd para la casa ECM, inicio de una fructífera relación que se extenderá por más de dos décadas. Álbum de regreso a la consideración pública, su segundo retorno luego de una breve aparición junto al pianista francés Michel Petrucciani a mitad de los ochenta, y de inicio de su vínculo con el pianista sueco Bobo Stenson. Junto a ellos, son de la partida Palle Danielsson en contrabajo y Jon Christensen en la batería, otrora sección rítimica de Keith Jarrett y de Jan Garbarek. La interpretación de Lloyd es lírica. etérea, cristalina, fluída, delicada, exquisita. Incluye dos composiciones que, más tarde, tendrán sus correspondientes relecturas: la ligeramente coltreaneana The Dirge, rebautizada Migration of Spirit, será incluida en Rabo de Nube (2008), y la balada Bharati, en nueva versión, en Hyperion with Higgins. Se destaca la luminosa Eyes of Love, mientras que el álbum concluye con la dulce Tellaro, un dúo de flauta y piano contenida sólo en la edición en disco compacto.****

sábado, 8 de abril de 2017

Miles Davis - My Funny Valentine (Columbia/Legacy 2005)



My Funny Valentine es uno de los dos álbumes provenientes de la grabación del mítico concierto del 12 de febrero de 1964 en el Philharmonic Hall de New York, incluyendo las baladas y los tiempos medios interpretados aquella mágica velada. El otro es Four & More, que contiene los tiempos rápidos.****1/2

miércoles, 29 de marzo de 2017

Duke Ellington & John Coltrane



El sentimiento del Jazz. La reunión de Duke Ellington y John Coltrane, dos colosos en la historia del género, no pudo ser más fructífera. Recorre el álbum una elegancia infinita. La interpretación de Coltrane es, a la vez, lírica y potente, e incluye elevadas dósis de lo que es su inigualable estilo, incluso sus reconocibles líneas oblicuas, es decir, sin apartarse de lo clásico introduce buena parte de su arsenal técnico vanguardístico. Contiene la versión definitiva de In A Sentimental Mood.*****

miércoles, 22 de marzo de 2017

Lyle Mays - Street Dreams



El magnífico pianista Lyle Mays, mano derecha de Pat Metheny en el Pat Metheny Group, en Street Dreams, su segundo disco, hace arreglos orquestales en Feet First y Possible Straight, se sobregraba en la bella Chorinho, realiza un dúo junto al guitarrista Bill Frisell en Newborn y toca tremendos solos en Before You Go y en la segunda parte de la suite Street Dreams. También luce el contrabajista Marc Johnson, otrora acompañante del influyente pianista Bill Evans.****

sábado, 11 de marzo de 2017

Chick Corea + Origin - A Week At The Blue Note



Es notable cómo los músicos que alcanzan cierta popularidad tienden a repetirse en procura de conservar un público que parece querer escuchar una y otra vez lo mismo. A la vez, son ellos los que tienen la decisión de cambiar y cuando lo hacen, llevan su arte un paso adelante. Chick Corea con su agrupación de fines de los noventa llamada Origin logra dar un golpe de timón y presentar una propuesta novedosa. Han quedado de lado los sintetizadores y las influencias latinas y flamencas acentuadas, para tocar con un sexteto acústico jazz, un jazz que abreva en la tradición, pero interpretado con frescura, inspiración, vuelo. Se trata de la grabación de toda la música interpretada en vivo, sin editar, durante tres noches, en dos sets cada una, en el Blue Note neoyorquino, lo cual rescata no sólo la espontaneidad que es de la esencia del género sino, también, el desarrollo, el progreso del material transitado (el Disco 2 me parece magnífico, pero en el Disco 6 el grupo está en llamas), el cual incluye la repetición de varias de las composiciones (por ejemplo: cinco versiones de Say It Again (Parts 1 & 2), tres de Double Image, Hand Me Down, y Matrix, etc.), las que van ganando en riqueza, frondosidad. Buen balance entre los temas originales, entre otros los señalados, y las versiones de temas de Monk (Blue Monk, Straight No Chaser y Four In One), Powell (Tempus Fugit), entre otros standards. Corea, tocando exclusivamente piano acústico, y sus acompañantes: Steve Wilson en alto, Bob Sheppard en tenor, Steve Smith en trombón, Avishai Cohen en contrabajo y Adam Cruz en batería se encuentran en gran forma. Con Origin, Corea presenta un proyecto original y una de sus mejores bandas.****1/2

sábado, 4 de marzo de 2017

Chico Buarque - Vida



Editado originalmente en 1980, Vida, del cantautor Chico Buarque, incluye canciones originales, entre ellas, las muy bonitas Vida y Mar E Lua, dos sambas (Deixe A Menina y Morena De Angola) y dos canciones de películas (Eu Te Amo, compuesta junto al legendario Tom Jobim, y Bye Bye Brasil).****1/2

sábado, 25 de febrero de 2017

Ney Matogrosso - Estava escrito



Estava escrito, publicado en 1994, es un álbum del cantante Ney Matogrosso dedicado a la también cantante Ângela Maria, quien participa en Só Vives Pra Lua.****1/2

miércoles, 22 de febrero de 2017

Larry Coryell - Return



No he seguido la trayectoria de Larry Coryell, pionero del jazz-fusión, pero siempre me fascinó Return. El guitarrista es dueño de un fraseo limpio y un sonido crudo, mientras que sus solos están llenos de ideas. Los acompañantes, los Brubeck Brothers, a los que se agrega el percusionista Ray Mantilla tienen tal empatía con Coryell que parece que se tratase de integrantes de una banda y no de ocasionales complementos de un solista. Return contiene originales más una fantástica versión de Baile de sol mediterráneo, de Al Dimeola. El nombre del álbum se explica por ser un regreso a su antigua discográfica (Vanguard). Uno de mis discos preferidos de guitarra.****1/2

miércoles, 15 de febrero de 2017

Spinetta - Sólo el amor puede sostener



Atípico en su discografía e impersonal, Sólo el amor puede sostener es el disco que Luis Alberto Spinetta grabó en inglés junto a músicos de sesión en Estados Unidos. No es totalmente un mal álbum, por lo que puede ser disfrutado por aquellos que, como yo, gustan de la música de, por ejemplo, Gino Vannelli y Steely Dan, pero es el último que recomendaría escuchar de Spinetta. Y ésto se debe a que en el mismo está ausente la más preciada de las virtudes de su música que es la identidad spinettiana. También puede reprocharse el hecho de que, a pesar de ser dueño de una hermosa voz que funciona de mil maravillas en sus temas, no contaba con una preparación vocal que le permitiese tener mejores resultados interpretando canciones en el contexto de arreglos de jazz.**1/2

sábado, 11 de febrero de 2017

Spinetta - A 18' del Sol



Entre las agrupaciones Invisible y Spinetta-Jade, Spinetta grabó dos discos: A 18' del Sol y Only Love Can Sustain. El primero de los cuales, uno de sus mejores álbumes, grabado en 1977, contiene canciones inspiradísimas, simplemente gloriosas, tocadas por una banda que anticipa el giro estilístico hacia el jazz-rock de Jade de la década próxima, pero empleando un sonido que lo acerca a Invisible, representativo de los setenta, una década provechosa para la música popular, cuando el rock todavía tenía cosas para decir. El nombre se refiere a la distancia de la Tierra al Sol en velocidad luz, sólo que consignada en forma errónea.*****

sábado, 4 de febrero de 2017

Pedro Aznar - A solas con el mundo



A solas con el mundo es un álbum en vivo unipersonal de Pedro Aznar editado en 2010, donde se presenta acompañándose tan sólo con una guitarra, un teclado o una caja, de un modo despojado, con la intención de revalorizar las canciones y la comunicación con la audiencia.****

sábado, 28 de enero de 2017

Spinetta - Estrelicia MTV Unplugged



Estrelicia MTV Unplugged fue grabado en los estudios de MTV en Miami en el año 1997. La banda que acompaña a Spinetta son los Socios del Desierto (Marcelo Torres en bajo y Daniel Wirtz en batería). A ellos se suman Mono Fontana en teclados y Nico Cota en percusión. También presenta los arreglos de cuerdas (muy fuertes en la mezcla) de Carlos Franzetti (también toca el piano) en Laura va y Jazmín. Se trata de un álbum que contiene no sólo éxitos (Durazno sangrando, Laura va, La sed verdadera, Barro tal vez), como suele suceder con los MTV Unplugged, sino también varios temas nuevos (Fuji, Tu nombre sobre mi nombre, Tú vendrás a juntar mis días, Tía Amanda) y bellas composiciones (La montaña, Mi sueño de hoy). El CD difiere del video en que incluye un instrumental de nombre Garopaba (un pueblo de pescadores en el estado de Santa Catarina, Brasil), con convenientes aires de bossa, en lugar de Ludmila.****

viernes, 20 de enero de 2017

Weather Report - Heavy Weather



Heavy Weather, publicado en 1977, pertenece al período de apogeo de Weather Report. La banda suena madura, concisa, consistente como nunca. Luce Jaco Pastorius en el rol de bajista (en Teen Town también toca la batería), con sus líneas plenas de staccato, siendo un solista más (escuchar Havona). Sabido es que el sonido de la agrupación es dominado por los teclados de Zawinul, por lo que la participación de Shorter podría estimarse un tanto resumida, pero cuando ocupa su lugar realmente cobra protagonismo. En cuanto a la sección rítmica, siempre cambiante en el grupo, esta vez son de la partida el dúo Acuña-Badrena, es explosiva.*****

lunes, 16 de enero de 2017

Pat Metheny Group - Speaking of Now



Pat Metheny ha decidido repetir con su emblemática agrupación surgida a principios de los ochenta, una y otra vez, una fórmula exitosa. En Speaking of Now, de 2002, se tiene la sensación de haber escuchado antes todo lo que suena: temas, arreglos, solos. Hasta el arte de tapa parece calcado de otras ediciones. Falta sorpresa, todo es previsible, debido al convencimiento de Metheny en dar a sus fans exactamente aquello que quieren. Por si fuera poco, resulta una versión sin sustancia del grupo, tal si sólo conservara los atavíos, los adornos, asemejándose a la opaca, desteñida copia que hiciera Al Di Meola en Orange and Blue (Bluemoon, 1994); sin la inspiración y la profundidad exhibidas en discos esenciales como First Circle (ECM, 1984) o Still Life (Talking) (Geffen, 1987). El virtuosismo y la sensibilidad del guitarrista y de sus acompañantes siguen intactos, razón de más para exigir un poco de audacia, de atrevimiento. A los miembros de dilatada trayectoria, el pianista Lyle Mays y el contrabajista Steve Rodby, se agregan los nuevos integrantes, que en nada contribuyen a cambiar la ecuación: el trompetista vietnamita Coung Vu tiene una participación resumida que poco dice de sus creativos trabajos en solitario; el bajista camerunés Richard Bona toca percusión y se encarga, junto a Vu, de las características vocalizaciones, destacándose en Another Life, You y Afternoom, las tres composiciones firmadas por Metheny sin la co-autoría de Mays; y el baterista mexicano Antonio Sanchez, por quien Metheny no ahorrara elogios, empleándolo en adelante incluso en sus proyectos paralelos, en mi entender en este álbum toca los mismos patrones rítmicos que Paul Wertico en los anteriores. Mis favoritas: On Her Way y Wherever You Go. Recomendado sólo para incondicionales de la banda o para aquellos que no los hayan escuchado antes.***1/2

viernes, 13 de enero de 2017

Ryuichi Sakamoto - Heartbeat



El pianista y compositor Ryuichi Sakamoto es ampliamente conocido por su música para películas (El último emperador, de Bernardo Bertolucci, por ejemplo). La virtual primer parte del álbum Heartbeat es demasiado dance para mi gusto pero el disco en su totalidad, un conjunto de temas de una variedad de estilos, es representativo del indiscutible talento de Sakamoto. La segunda parte es mucho más interesante y contiene canciones para piano (Song Lines, Epilogue), más participaciones de Arto Lindsay, Youssou N'Dour y David Sylvian. Este último canta en la bellísma Heartbeat (Tainai Kaiki II)-Returning to the Womb, que incluye un breve y extraordinario solo de guitarra cortesía de Bill Frisell, y en el funky Cloud #9.***1/2

miércoles, 11 de enero de 2017

The Robert Fripp String Quintet - The Bridge Between



The Bridge Between reune a Robert Fripp con el intérprete de stick Trey Gunn y el California Guitar Trio en un ecléctico programa que contiene composiciones para guitarra á la King Crimson (Kan-non Power, Bicycling To Afghanistan), más algunas propias de Bach usando un stick distorsionado (Chromatic Fantasy) o simulando con las guitarras un clave (Contrapunctus, Passacaglia), ecos de Starless, de King Crimson, incluida en Red (1974)(Blue), y los Frippertronics en los quizás excesivos 13' de Threnody For Souls In Torment. Se trata de grabaciones en vivo, pero no parece, debido probablemente a las sobregrabaciones.***1/2

lunes, 9 de enero de 2017

David Sylvian - Brilliant Trees/Words with the Shaman



Brilliant Trees es el primer álbum del cantautor David Sylvian, publicado luego de la disolución de la agrupación Japan. Esta edición contiene la adición del instrumental Words with the Shaman. Brilliant Trees incluye algunos de los elementos característicos en la música de Sylvian: una voz pura, sutil, transparente, fluida, única, y una música que mezcla estilos tales como: rock, pop, jazz, ambient, de un modo singular e inclasificable, junto a una variedad de instrumentos acústicos, eléctricos y electrónicos que añaden riqueza a las canciones. El ánimo del disco es reposado, reflexivo, con la salvedad del tiempo rápido de Pulling Punches y el funk Red Guitar. A su vez, Words with the Shaman remite a ritmos tribales y encuentra un mejor lugar en el compilado Alchemy An Index of Posibilities (1985).****

sábado, 7 de enero de 2017

Paul Weller - Heavy Soul



Heavy Soul, cuarto álbum en estudio de Paul Weller, es el de sonido más crudo, pesado. Rock de guitarras a las que se agregan algunas cuerdas en los temas más notables. Mis favoritas: Heavy Soul, Up In Suze's Room y Mermaids. Sin el altísimo nivel de la trilogía inicial de Weller en solitario, tiene suficiente inspiración y fuerza para no defraudar.****

lunes, 2 de enero de 2017

John Coltrane - Meditations



Meditations continúa el camino de A Love Supreme (1965) en términos de espiritualidad y es también una suerte de suite en la cual sus temas están unidos, a excepción de Compassion y Love. Pharoah Sanders utiliza una variedad de efectos con su saxofón en la exploratoria y atonal The Father And The Son And The Holy Ghost. La banda incluye a los dos saxofonistas (Coltrane y Sanders), a McCoy Tyner en piano, a Jimmy Garrison en contrabajo y a dos bateristas (Elvin Jones y Rashied Ali) por lo que puede advertirse que es una mixtura del Cuarteto Clásico y el quinteto ulterior junto a Alice Coltrane en piano.****1/2